Eine Renaissance für die Nebelmaschine: Die Stiftmethode, Seidenschals und die Sechziger.
The Stylus Method verbinden Artrock und britische Psychedelia mit elektrisierenden Live-Performances und herausragender Bühnenkleidung und sind ein wahrer Reflex aus der Vergangenheit. Von ihren Wurzeln im Norden bis zu ihrer Residenz in Westlondon haben wir uns mit Jordan Frazer und Oliver Wells von der Band getroffen, um über alles rund um Kleidung und ihre musikalischen Pläne für 2024/25 zu sprechen.
Erzählen Sie uns ein wenig über The Stylus Method, Ihre Einflüsse und was Sie alle in der Band machen.
J: Wir haben uns Ende 2018 in Leeds gegründet. Ich lebte dort und machte meinen Master in Jura. Ich hatte einige Jahre nicht in Bands gespielt und brauchte das wieder in meinem Leben. Ich schaltete eine Anzeige in den lokalen Musikzeitungen und suchte jemanden zum Zusammenarbeiten – einfach zum Jammen – so etwas wie „Einsamer Gitarrist sucht einsamen Bassisten für gute Zeiten, Einflüsse: John, Paul, George, Ringo, Mick und Keith“. Als Jamie antwortete, konnte ich mein Glück kaum fassen. Wir verbrachten etwa ein Jahr damit, zu schreiben, zu spielen, Demos aufzunehmen und nach den richtigen Musikern zu suchen, die uns bei diesem Unterfangen, was auch immer es werden sollte, unterstützen wollten. Nach einer Zeit ohne Bandnamen, ein paar Übergangsbesetzungen, einer eher rudimentären EP und einem eklektischen ersten Album, das während des ersten Lockdowns fertiggestellt wurde, fanden wir uns in London wieder, nahmen in Abbey Road auf, waren Hausband im Troubadour, ausverkauften Shows in der Hauptstadt und spielten für Sir Michael Eavis!
Mein größter musikalischer Einfluss wird immer Paul McCartney sein. Er ist einfach der Größte – melodisch, gesanglich, stilistisch. Textlich haben wir alle möglichen Einflüsse von Dylan, Ray Davies, Kerouac und Keats. Oliver ist ein Bowie-Fan und Jamie liebt Floyd. Das letzte Album hatte noch einen starken 1966er-Sound. Das nächste (das wir gerade aufgenommen haben) ist etwas glamouröser. Mehr dazu später!
O: Wir schweifen ab … Jordan singt Lead, spielt Gitarre und Klavier, Jamie spielt Bass, singt, spielt Klavier und spielt so ziemlich jedes andere Instrument, das man ihm geben kann – er ist so etwas wie unser John-Paul Jones. Ich spiele Schlagzeug, Percussion usw. und singe auch ein paar Harmonien.
Glauben Sie, dass es eine natürliche Synergie zwischen Mode und Ihrer Musik gibt?
O: Auf jeden Fall! Wir haben Bands immer nicht nur als Musiker, sondern als ein Gesamtbild betrachtet. Musik ist etwas, in das wir unser Leben lang eintauchen, und ich denke, das gelingt nur, wenn ein Künstler oder eine Band eine starke Identität hat, die zu dem passt, worum es ihnen geht. Eines der besten Dinge (wenn nicht DAS Beste) daran, in einer Band zu sein, ist, dass man auf der Bühne in seiner eigenen kleinen Truppe ist und für sein Publikum spielt, aber dennoch von ihm getrennt ist. Nur man selbst weiß, wie es ist, das mit den anderen zu teilen, und es ist schön, eine Art „Uniform“ zu haben, die man da oben tragen kann.
J: Und es macht Spaß, sich zu verkleiden – es hilft uns, uns von unserem Bühnen-Ich abzuheben, uns als Künstler zu präsentieren und unser Image auch abseits der Bühne zu repräsentieren. Wir haben Anfang des Jahres in Pilton gespielt, und Sir Michael Eavis erwähnte unsere Bühnenoutfits. Er zitierte Ray Davies und erzählte, wie er seinen Kühen „Lola“ von den Kinks vorspielte. Diese Geschichte kannte ich schon aus der Musikgeschichte, aber sie von ihm selbst zu hören, war ein besonderer Moment in meiner Musikkarriere – und das alles dank unserer Outfits!
Ihr letztes Album „The Imaginary Costume Party“ war eine Konzeptplatte, die im Swinging London der 1960er Jahre spielt. Was hat Sie zu dieser Entscheidung inspiriert und wie haben Sie die Mode der damaligen Zeit in Ihr Projekt integriert?
J: Ich war schon immer besessen von der goldenen Ära der britischen Musik um 1965–1967, als London ein künstlerischer Schmelztiegel war, wo Kreativität und Originalität höher galten als soziale Schichtung und Popstars Seite an Seite mit Dramatikern, Modedesignern, Schauspielern, Malern, dem Adel und der düsteren Londoner Unterwelt lebten. Ich hatte ein großartiges Buch von Keiron Pim mit dem Titel „Jumpin' Jack Flash“ über einen Mann namens David Litvinoff gelesen. Das inspirierte mich zu einer Single namens „Mad“, die das Konzept kristallisierte und dann zur Blaupause für das folgende Album wurde. Das war die übergreifende Idee hinter den Charaktergeschichten, aus denen das Album besteht: dass all diese Charaktere im selben Universum existieren könnten, in den Songs der anderen auftauchen und wieder verschwinden, mit musikalischen und lyrischen Anspielungen, die alles zusammenhalten. Natürlich gab es auch ein autobiografisches Element. Das Songwriting spiegelte meine gesellschaftliche Wahrnehmung wider – sowohl hinsichtlich meiner Generation als auch hinsichtlich meines gewählten Karrierewegs und der Frage, ob dieser wirklich das Richtige für mich war. Einige Songs behandeln die Psychologie von Beziehungen, Unzulänglichkeitsgefühle, männliche und weibliche Identität und das Bedürfnis nach kreativer und spiritueller Erfüllung.
Im Grunde wollten wir ein Album kreieren, das klingt, als wäre es 1966 von Abbey Road erschienen, und ein Albumcover, das von Granny Takes a Trip, I Was Lord Kitchener's Valet, Lord John, Hung On You – diesen legendären Boutiquen an der Kings Road – hätte gestaltet werden können. Viel Samt, Seide und Luxus. Selbst 18 Monate später sprechen uns die Leute noch immer auf das Cover an. Das Shooting hat auch viel Spaß gemacht.
O: Meine erste Aufnahmesession mit der Band fand im Studio 2 in der Abbey Road statt. Von dort ging es bergab, oder?! Ich saß in der „Ringo-Ecke“ und blickte über den legendären Raum, man konnte die Musik in den Wänden spüren. Es war einfach eine fantastische Erfahrung, und wir haben ein Album gemacht, auf das wir wirklich stolz waren. Ich denke, wir sind seitdem als Musiker sehr gewachsen und haben viel über den Aufnahmeprozess gelernt, was sich hoffentlich bei den nächsten Veröffentlichungen auszahlen wird. Aber nichts übertrifft das Gefühl, auf dem „Mrs. Mills“-Klavier zu spielen, auf dem Paul und John spielten, und diese legendäre Treppe rauf und runter zu gehen … und auf den Tag genau 50 Jahre nach dem ersten Tag von „Dark Side“ in genau diesem Raum. Es war wirklich eine der surrealsten Erfahrungen … und dann am Montag zurück zur Arbeit.
Und wie sieht es in der Londoner Musikszene im Jahr 2024 aus? Immer noch swingend?
O: Ja, ich denke schon. Besonders in West London, Soho und Camden gibt es noch eine Künstlerszene, in der sich alle kennen und man jeden Abend ausgehen und großartige Originalmusik hören kann. Wir sind eine Hausband im Troubadour, das eine fantastische Atmosphäre für Live-Musik bietet (und das Restaurant oben ist auch sehr gut!). Spiritual Records in Camden ist auch ein wichtiger Treffpunkt für unabhängige Künstler – Michael Kiwanuka und Sam Ryder kamen beide aus Spiritual, also gibt es eine pulsierende kleine Szene.
J: Und nicht nur Veranstaltungsorte – es gibt auch coole kleine Londoner Cafés, in denen man sich stärken kann und die eine tolle Atmosphäre haben. Die Bar Italia in Soho zum Beispiel oder Terry's Café in Borough. Austin, der Betreiber des Cafés, liebt seine Musik und seine Mod-Mode.
Wie unsere Leser wissen, tragen The Stylus Method heutzutage gerne Krawatten auf der Bühne. Wie wichtig ist Ihnen das und was sagt es über Sie als Einzelpersonen und als Band aus?
O: Es war eigentlich ein schleichender Prozess – je mehr wir zusammen spielten, desto extravaganter wurden wir auf der Bühne; und die Schals sind für uns eine Erweiterung davon. Wir haben alle leicht unterschiedliche Stile, aber Accessoires wie Halstücher runden das Ganze ab und verleihen dem Bandimage einen besonderen Akzent. Ich trage zum Beispiel eher Halstücher oder Bandanas, Jordan bevorzugt ein Ascot oder eine Krawatte und Jamie trägt ein Einstecktuch oder einen Seidenschal (zu besonderen Anlässen). Zusammen mit Jordan und mir, die gelegentlich einen Fedora tragen, trägt das alles wirklich zur Identitätsbildung bei.
J: Ich mag auch Flieger. Ich hatte zwar einmal Flugstunden, hatte aber nicht die nötigen mathematischen Voraussetzungen für den Pilotenberuf. Der Fliegerschal kommt dem also am nächsten!
Wenn Sie Ihre Top 3 „Looks“ aus der Musikgeschichte auswählen könnten, wer würde es schaffen?
J: Das ist fast eine unmögliche Frage. Okay, ich würde sagen, in keiner bestimmten Reihenfolge: 1. Paul McCartney bei der Sgt. Pepper-Launchparty in Brian Epsteins Wohnung in Belgravia. Ein lockerer Schal über einem T-Shirt und einem Blazer. Ein zeitloser Look, den Alex Turner heute tragen könnte. 2. Keith Richards beim Isle of Wight Festival 1970 – rote Samthose, blaues T-Shirt, orangefarbenes Halstuch und getönte Sonnenbrille. 3. George Harrisons pinker Nadelstreifenanzug aus „Get Back“. Kultig.
O: Ehrlich gesagt, werde ich wahrscheinlich nur drei David-Bowie-Outfits auswählen. Der Mann war wirklich der beste Kleiderbügel von allen, oder? Der mintgrüne Anzug vom Freddie-Mercury-Tributkonzert, eigentlich alles von 1983, Oxford-Taschen, ein schickes weißes Hemd mit offenem Kragen und lockerer Krawatte. Und in „Der Mann, der vom Himmel fiel“: ein schicker hellbrauner Fedora, ein Mantel über den Schultern wie aus „Der Pate“, einfach exquisit.
Gibt es aktuelle oder aufstrebende Bands/Künstler, deren Stil (und natürlich auch ihre Musik!) Sie bewundern?
O: Ich mag Harry Styles‘ aktuelle Arbeit sehr. Er verbindet Retro und Ultramoderne gekonnt. Ich würde es nicht selbst tragen, aber Jacob Collier hat sein Image perfekt im Griff, wirklich einzigartig. The Molotovs, The Misty, The Howlers und Creeping Jean sind allesamt Bands in der Szene, die großartig aussehen und ihre Bühnenlooks perfekt zur Musik kombinieren. Wir sind große Fans von all diesen Jungs.
J: Peter Rugman von The Nonstickpans weiß auch, was er tut. Ich glaube, er ist ein Fan von Soho Scarves. Er trägt es gut (und ist außerdem ein extrem talentierter Songwriter).
Gibt es besondere Lieblingsprodukte von Soho Scarves, von denen Sie unseren Lesern erzählen möchten?
J: So viele, ich habe nicht genug Platz im Kleiderschrank – unsere aktuellen Lieblingsstücke findet ihr übrigens auf der Seite „The Stylus Method Picks“ der Soho Scarves-Website. Das ist eine kleine Auswahl dessen, was wir in letzter Zeit getragen haben (auf und abseits der Bühne).
Es klingt, als wären die letzten zwölf Monate für die Band eine echte Achterbahnfahrt gewesen, und jetzt geht es richtig los. Was erwartet uns als Nächstes und wie können unsere Leser Ihre Musik finden und Sie spielen sehen?
J: Das hoffen wir sehr, und es fühlt sich auch so an. Wir sind jedem einzelnen unserer Fans sehr dankbar, der uns unterstützt, uns besucht, Merchandise-Artikel kauft und uns hilft, das Ganze voranzutreiben. Es ist manchmal ziemlich surreal. Wir starten die nächste Ära der Band mit einer Neuauflage (und Live-Version) eines Fan-Favoriten, und unsere nächste neue Single „The Long Goodbye“ erscheint im Frühsommer – wir freuen uns unglaublich darauf, also sichert euch vorab euren Vorrat und haltet Ausschau danach! Wir haben noch drei weitere Singles in Arbeit und ein paar kleine Überraschungen auch! Unsere nächste Residency-Show im The Troubadour ist am Samstag, den 22. Juni 2024.
O: Und wir geben unserem dritten Album später in diesem Jahr den letzten Schliff. Wir sind alle sehr gespannt auf diese neue Songsammlung und können es kaum erwarten, bis alle sie hören (der Albumtitel ist vielleicht sogar irgendwo in diesem Interview versteckt ...)
Während wir uns weiter in den Strudel des 60er-Jahre-Mode- und Musik-Revivals stürzen, sollten Sie The Stylus Method unbedingt im Auge behalten. Freuen Sie sich auf ausdrucksstärkere und bessere neue Musik, Live-Shows und extravagantes Humor. Kommen Sie ins The Troubadour – wir freuen uns schon auf Sie.
Und wenn Sie ihren Look nachahmen möchten, vergessen Sie nicht, sich die Stylus Method Picks auf unserer Website anzusehen.
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Fotografie von Sara Gennat.
